才疏志大,山水乐师青眼虎李云集关于生活与方

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摘要:我一直认同,一个真正的艺术大家,不光要在艺术上表现出让人垂涎的才华,其为人的厚重品格也是其重要的积淀。与沙老师认识已有多年,说起来很是有缘。之前多次在朋友处听闻,

我一直认同,一个真正的艺术大家,不光要在艺术上表现出让人垂涎的才华,其为人的厚重品格也是其重要的积淀。与沙老师认识已有多年,说起来很是有缘。之前多次在朋友处听闻,却未得见其人。后得与相识,确又成为忘年交,拜称为沙兄。我觉得自己很幸运,友不贵多,得一人,可胜百人;友不论久,得一日,可喻千古;友不择时,得一缘,可益一世.

胸有境界千山渺 笔含神韵气自华——山水画家李云集关于生活与艺术的思考

时间:2012年04月18日来源:中国艺术报作者:马文晔 郭诗迪

图片 1  李云集

  西安美术学院国画系教授、硕士研究生导师

  陕西省美术家协会理事

  黄土画派艺术研究院画家

  陕西国画院、西安中国画院外聘画家

  中国美术家协会陕西创作中心艺术创作部主任

  陕西省联合国教科文组织艺委会副主席

  陕西省高等教育学会艺术教育专业委员会副主任

  陕西省山水画研究会副主席

  陕西省文史馆研究员

  “造化的关照,于心而生丘壑;一种打破固有程式的新秩序重建,那是心智与功力长相积淀之上的笔墨力拓。山川物事,辄置于烟岚雾霭之中,怎么看,那朦胧画面背后都蕴蓄着一种对于山水精神与世间万象的理性思辨。——李云集”

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归秋图69×132cm2011年

  >>关于艺术创作<<

  笔者:为什么“外师造化,中得心源”是山水画创作的必经过程?

  李云集:一有空我就会手捧名人画集反复研读,力争把画印在脑海中。凭借记忆,把脑海中的名家画作与自然山水相比照,仔细观察山川的起伏形势、阴晴雨雪时的明暗变化以及春夏秋冬四季的色彩变幻,将自然之景物化在心,变成自己作品的画面。写生时,我会对景作画。这个时候,一定要让生活为我所用。当画作完成到一大半时,我会倾注自己的切身感受,闭目沉思,仔细揣摩,并做艺术处理,把自然之景变成艺术之景。读前人画作的目的是理解其精神,而形式表现则因人而异,不做拘泥。

  宋代青原惟信禅师直白地表述参悟的“三境”:“老僧三十年前未参禅时,见山是山,见水是水;及至后来,亲见知识,有个入处,见山不是山,见水不是水;而今得个休歇处,依前见山只是山,见水只是水。”其实,这是悟道的三个过程。见山是山,见水是水,即学习传统技法,追求唯美,这个阶段师学古法,注重写实;见山不是山,见水不是水,即顿悟思考,注重精神,这个阶段已超越传统,重精神感受;见山只是山,见水只是水,即客观与心灵高度统一,此阶段便冲破束缚,率性而为,进入了忘我的自由状态。同样,作画的过程也就是一个由观看到感悟的过程;一个由表及里、由实到虚、由具象到抽象的幻化过程。

  “外师造化”,即被动地接受客观自然;“中得心源”,是指内心感悟后主动地处理事物。画家应以大自然为师,再结合内心的感受,然后才能创作出好的作品。这八个字概括了从客观现象到艺术意象再到艺术形象的整个过程。这就是说,艺术必须以现实为源泉,经过画家的主观情绪的熔铸和再造,才能将客观现实的形神与画家主观的情思有机结合起来。这句话道破了艺术形象形成的全部秘密。所以,历万古而犹新。总而言之,中国山水画是以笔墨为基,融汇感觉、情绪、境界等诸多因素用于象形,以气韵贯通为依托,把山水画以平面之象显成生命之形,以此产生强烈的艺术感染力。

  笔者:“超乎物外,至乎情中”是山水画的最高境界。请问在山水作品之中,您是怎样融主客观于一体,继而达到“无我”状态的?

  李云集:山水画首先是写实,要尊重客观世界。然后是写心,彰显个人精神。中国传统文化认为:人的精神、生命与宇宙自然息息相通。老子有语:“人法地,地法天,天法道,道法自然。”水墨画正是体现了“道法自然”的特性,因而达到天人合一的“无我”境界。

  那么怎样才能静观万物皆自得,创造出自感而感人的作品呢?我自认为必须怀有容纳天地万物的度量。人若没有气度,就没有广阔的胸怀,也就不可能具有容万物于一体的气魄。只有这样画家才能做到“天地与我并生,万物与我为一”的真境,才能感悟到山水的真谛。山水画的创作不仅是一种简单的主客观的反映活动,而且也是一种提升境界和展现品格的精神活动。所以作为一个优秀山水画家,一定要超越形而下的模仿,从而使自己进入一种物我两忘的主客观交融状态。

  笔者:请问您是怎样领悟中国山水画的人文精神的?

  李云集:如今,物质生活丰富,但还有不少人感觉到生活空虚、精神焦虑。因为现代人经受着各种诱惑,承受着各种压力。人有悲欢离合,月有阴晴圆缺。世事不可改变,但我们可以改变心境,诗化生活,寻梦内心世界那片落英缤纷的桃花源,从而超越生活,实现心灵放逐。清灵秀逸的山水画可以稀释现代都市的喧嚣。山水画中不论是小桥流水,还是茅舍小屋;不论是山溪村郭还是烟雨苍林,都可以升华出文化品格与诗意精神。

  人们在当今社会中失落的东西,需要从绘画中找寻。画家只有用笔墨语言去探索山水主题的文化奥秘,画出山水主题的极致神韵,才能坚守住中国山水画中博大的道文化精神。“任你红尘滚滚,我自清风朗月。”一切景语皆情语,这就是人与自然和谐共处的心灵对话,这正是中国山水画的人文精神。

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绿竹入幽径69×132cm2011年图片 4

夏雨69×70cm2010年

  >>关于艺术实践<<

  笔者:近年来,您创作了多幅山水画巨幅作品。您认为巨幅作品和小幅作品在创作过程中有何异同?原因何在?

  李云集:巨幅绘画创作会受到各种条件限制,这种限制是因甲乙方的关系而无法改变的;小幅创作则可直抒胸意,自由发挥。前者强调雄浑壮美的气势,而后者突出的是笔墨情趣。大幅创作凸显画家整体驾驭能力和造型功力,而小幅创作则讲求笔墨功夫和意境。能作大画者,作小画则轻车熟路;反之,能作小画者,对巨幅创作就未必能驾驭了。作巨幅也罢,小画也好,总之都要具备扎实的综合绘画能力。

  笔者:请问对初学画者来说,在深入生活的过程中要注意把握哪些要素?

  李云集:首先,是对待生活的态度。态度决定一切,只有带着感情,到生活中切身体会,深入领悟,才可能练就一双慧眼,去敏锐地捕获创作灵感和素材。洞察力应是画家的必备素质。这种能力并非天生,也不可能一蹴而就,要从生活到创作,再从创作到生活,这样一个不断反复实践的过程中获得。

  其次,要把握时代精神。毋庸置疑,对美的追求和对“本我”的追求是人类的精神本质。画家就是要倡导这种时代的主旋律。对“笔墨”的理解并不完全是技巧和方法,更包含精神和情感。老一辈有建树的画家之所以在笔墨上取得了新突破,就是他们始终坚持了立足本土、着眼时代的笔墨创作道路。现代生活方式改变了人们的思想意识,只有不断深入生活,才能感悟其蕴涵的艺术精神。

  第三,要通过艺术去表达对世界和生活的理解。同创作素材一样,创作激情同样来自生活。我以为创作的欲望是一种表现激情,有欲望说明对生活感悟体验至深,这是好作品产生的条件。事实证明,创作源自生活,来自民众,而最终为生活所接受,为大众所公认,这才是艺术家真正的归宿。

  >>关于艺术责任<<

  笔者:“山水画创新”其实已是一个老话题了。对于这个问题您能否结合绘画实践谈谈自己的看法?

  李云集:山水画只有在继承中创新,才有鲜活的生命力。王维的水墨山水和李思训、李昭道父子的青绿山水,共同确立了山水画在中国绘画史上的地位,此后出现了李成、范宽等一大批山水画大师。王希孟《千里江山图卷》等以散点透视技法为特征的鸿篇巨制,寄托了新时期的审美理想。五四运动后,刘海粟、林风眠等一批海归学子又把焦点透视、色彩和光学原理大胆应用于中国绘画中,实现了中西艺术的交流,进而使山水画有了划时代的变化。

  经济的发展总是要求文化与之同步。在今天文化大发展大繁荣的新时期,人们的审美情趣和精神需求都发生了新的变化,这就要求山水画家与时俱进地创新,以满足大众新的审美需求。创新不仅要“古为今用”,还要“洋为中用”,这样才能中西借鉴,互相补益,才能吸收人类文化的精髓,继而滋育自己的民族文化。

  在这个过程中,一定要将直接拿过来的东西,进行消化和吸收,去其糟粕,取其精华。机械地将东西绘画做粗暴、简单的交融,那是没文化的表现。同样,山水画也不例外。丢掉传统山水画的精神内涵和优秀技法,而一味地模仿和复制西画,那将无异于南辕北辙。因此,创新既要继承传统,又要不拘泥于传统,既利用西方又别于西方。这样才能将蕴含东方哲学智慧又具高度审美情趣的中国山水画发扬光大。

  笔者:您多次提到,当代画家应该具有文化自觉意识和社会担当精神。

  李云集:绘画创作是画家的天职。只有具备了深厚的笔墨功夫,高超的技法,才能将自己的审美理想倾注于经得住时间考验和历史推敲的经典作品。所以说,苦练内功,提高技艺是画家本人对民族文化的自觉尊重。各时代画家的前途与命运都和时代的变革紧密相连。

  只有国家强盛,社会文化消费才能繁荣。在这种大背景下,书画艺术才可能出现繁荣景象,书画家才能有精神与物质上的富足。画家需要有这样的理性认知。

  画家是愉悦心情、陶冶灵魂的精神产品的创造者,所以坚守文化良知就成为最基本的担当。如果没有正确的思想做向导,在功利的诱惑下,一定会产生许多文化垃圾。这种文化垃圾对人们的精神毒害是深刻而久远的。所以,画家一定要多出精品力作,以优秀的文化感召人,以高尚的情操鼓舞人,极大限度地发挥艺术品的美育作用。

  只有站得高,才能看得远。要成就更高的艺术,艺术家也要力争成为思想家。画家不能是单纯的个人主义者,而是要把自己的崇高理想灌输到作品中去,以此来影响民众。

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水墨山水一132×69cm2011年

  访谈后记

  海纳百川,有容乃大;壁立千仞,无欲则刚。在“功利”与“浮躁”大行其道的今天,能够静心沉潜的画家已经不多见了,而李云集算是个“另类”。他的胸襟,成为浓郁文化浸润后的性情定格;他的气魄,是他内敛的聪慧与才华沉淀后的喷涌爆发;他的智慧正引领着他攀上一个个艺术高地,走向新的辉煌!

    沙正鑫的山水画线条流畅,既有扎实的传统绘画工底,又有自己独特的创作手法。再者,如今在中国画坛中能兼及书、画、印的确实不多,而沙正鑫的篆刻、书法都得过全国大奖。可沙兄依然好客交友,没有一点架子,每次相聚,都会自己下橱,把酒言谈。他那忠厚朴实的性格,从他的每幅绘画作品中也反映出来。看画如见人,人正气画正。老沙画的山水都带有古意,也是通俗的文人画。从画中反映老沙对艺术的严紧,而又不居紧匡线有开拓有创意,实属是艺术的学者!

中国山水画不是简单的描摹自然的风光,而是画家精神的诉求与流露,亦是画家态度的表达以及人生追求的体现。艺术家师界弘立足圣域,绘制山川河流、民居建筑,她在塑造自己艺术世界的同时,又在师古人师造化中循道弘新。

    沙老师为人心胸宽广,对艺术的见解独到、锐利。每次交谈,都能受益匪浅。他不但绘事能做到自成一家,还不断想出新点子,策划了很多有影响力的展览。尽管他经常一再推脱,想把精力到放到绘画上来,但还是经常被聘请为评委和展览总策划。

画 从 写 生 来   情自故乡出

    美是心灵沉醉于高贵情感的状态。对一个艺术家来说,只有在获得蔑视王冠与财富那样的心灵自由后,美,才能真正呈现。而艺术则是感应美的一种语言形式。因此,一切急功近利应景式的、假大空的作品,即使题材很大,画面复杂,有时还很能符合现实政治利益实用主义的需要,吹捧声又震耳欲聋,但毕竟缺乏艺术内在的生命力。自然天成的作品,才是令人豁然开朗的最高境界。他认为,中国画的创作理念可以大致分为两类,即“以心造境”和“因境写心”,两者偏重不同,但又殊途同归。前者是以不变的创作风格去改造所有的对象,即按照自己作品类型的需要,进行素材的取舍,这类作品更加自我,在形式上似乎更加自由,也更容易形成某种固定的程式而被视为一个画家的风格。他将自己归于后一类画家,追求师法自然,讲求“外师造化,内得心源”,在遵从自然法度的前提下表达自己的情感与追求。从技法上看,这类画家更注重传统的继承,并追求在传统的范畴内进行创新。他始终坚持艺术的发展自有其内在的发展规律,比如从写实到抽象的发展固然表现为一种升华,然而这并不意味着抽象画就一定比具象画作品更高级,相反,每一个阶段都有其不同的高度,都有其各自不同的尺度与标准并形成一座座高峰。一个画家,能在此基础上有所突破,则意味着创新,一个人的一生能在某一个方面做出自己的一点点贡献就非常了不起。我们在一起,经常交谈关于传统与创新的问题。他说传统问题是一个永恒的谈资,但又是一个永无止境、生生不息的谈资。其实,它何止是谈资。传统之于画作,可能是一种风格;传统之于画家,可能是一种行为;传统之于时代,可能是一种文化。从当下中国画的创作考察,这个永恒的问题可能被你问到了现状的痛疾。正是因为当下对司空见惯问题的麻木,重新提及才更有意义。传统是有时代性的。传统不是一成不变的东西。过去有首诗叫:“江山代有才人出,各领风骚数百年”。传统就是这样。

师界弘老师说:“我的作品素材大多来源于写生——只有长期到全国各地的大山大水和风景优美的地方写生,积累了大量的创作素材,才能不断地创作出新的作品。素材的积累就是一种对生活与情感的体验,并运用艺术手法加以升华。艺术来源于生活,又高于生活:因为艺术本身就是一种生命的体验,而审美则是对艺术的一种体验,对艺术情感的一种体验。这种升华使我的心性和笔墨得到锤炼,所以必须到大自然中去感受生活、体验真实,师古人,师造化,才能得到真正的提升。”当我们走过山川河流,体味过人间百味,作品也会变得立体鲜活,有生命力。

    绘画风格的变化,最初的悟觉往往来自鲜活的生活的直接启示并由此而产生的联想,生活不但给予他创作以灵感、思想与素材,同时也推动了他绘画语言的探索的原动力,生活的激情促使了艺术表现的升华,并最终导致个人风格的形成。沙老师经常说新意就是创造、是画家心灵的表达与体现。创新绝不意味着随心所欲,他对那些逸笔草草、信手拈来的所谓现代作品不以为然,认为那是无源之水、无根之木,是不会真正有生命力的。真正的创造永远是相对于某种传统而言的一种继承之后的突破,是在传统与自然之上营造的一种全新的精神产品。所以,每一幅画都应当是作者内心某种情绪的真诚流露和形象表达。

“艺术家的每一幅作品,都蕴含了作者的心血,融入了艺术家的情感。一位好的艺术家一定要有自己的艺术个性和艺术风格。而艺术个性,大多要受人的生活背景、心理特征、生理素质和性格爱好等先天因素的影响。后天的社会环境、以及生活状态、受教育的程度、学习研修和所处艺术环境的影响,也都是艺术家形成自己艺术个性、创造艺术作品的重要环节。个人艺术风格的形成主要受艺术家自身的思想特征和艺术特点的影响。一幅好的艺术作品,包含了艺术家个人的气度、涵养、学识、情感、雅致。”

    对一个当代的中国画大师而言,有责任对中国艺术精神,乃至人类文化进程进行深刻的反思。以唯美之路与哲思之路穿行者的角色,以他们非凡的艺术思想、艺术才能和人生智慧、高贵品格去影响和引领他们的时代文化。

师界弘老师黑白灰的水墨画风是其独特艺术风格的标志,这源自她对故乡的回忆及对古老民居的独特情感。她坦言:“我的创作面貌经过写实到写意的转变,进而衍生出自己的面貌,这与我长期的写生和对生活的体验密切相关。我的作品体现着我对生活的体悟和情感,并传递着我对这个社会的责任和担当,而这些精神性的内容亦对我的创作产生了潜移默化的影响。我的家乡是安徽,但我出生在中原大地,南北文化的差异和气候的不同,对我所选择、探索的绘画语言产生了很大的影响。我从记事起,便对古民居的奇特建筑很感兴趣,并一直有一种特殊的感情。在我的记忆里,它就是一种黑白灰的空间,这种对青砖、黑瓦、白墙的记忆,仿佛就是一个虚拟的世界,这个世界就是黑白灰。而南方经常下雨,大部分时间都是烟雾蒙蒙的样子,我的心情也会受到影响,会莫名地觉得有些忧伤。这种忧伤也一直贯穿在我的画面中挥之不去。”

   艺术是生命的延伸,并非是疏离生命的人为的手工雕琢。艺术创作不能没有人文情怀,不能失去对社会的观察和体验。

画 里 意 境 处   心中圣域地

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艺术写生的积累和艺术个性与艺术风格的培养,为师界弘老师“圣域”世界的塑造打下了坚实的基础。师老师谈到:“我的写生足迹遍布香格里拉、丽江、束河古镇、凤凰古镇、安徽宏村、西递、江西婺源等地,写真雄山丽水,体味异地风情,体验‘衣带渐宽终不悔’的求索探道之境。每到一处,我的心灵就得到一次洗礼,一片净土便衍化成艺术理想中的伊甸园。每次写生回来后,我就纯炼自己的笔墨和语言、反复提升,通过一次次实验,找到自己的感觉。所以这么多年,我给自己定位,我的画一定要以“圣域”为名,因为无论是大山大水还是不起眼的旧房子、庙宇,或者是国外的一些特别的建筑,都对我的心灵进行过一次次的洗礼,而我的创作正是比照心中的这些‘圣域’进行的塑造。”

“我用坦率与直白表露心迹,纵笔在画面上,让观众能够感受到大自然对我心灵的洗礼,这之中包括对雪山、草原、建筑、寺庙僧人等的体悟,并以我所择选、加工的艺术语言去诠释,传递着我对艺术生命,对生活情感的一种体验。就“圣域”的营造而言,我认为这当中包含了三个方面:第一方面、题材选择要‘清醇’。清净清雅的景观,就像一瓶好酒放了若干年后散发出来的清香,让人闻到的时候就已经醉了。对这种味道的回忆,就是我心中向往的优雅、静谧的一个理想环境。有了这种感觉,民居也好、别墅也好、僧人住的寺庙也好,或者是现代化的、国外的建筑,都能成为我创作中的重要元素。”

所谓“境由心生”,所以我们创作的作品都是从心里出发的。追求自在逍遥、豁达乐观、逍遥人生,都是人们生活在这样烦躁的时代的心中所想。因此“圣域”之境的营造离不开技艺的提升,这也是“圣域”营造的第二方面、技艺提炼中的神圣。“在水墨技法中强调线的独立与完美,寻求墨的清润与饱和。只有领悟到‘画受墨、墨受笔、笔受腕、腕受心’的影响,才能使山水画有一种技艺的平展、开阔、并不失酣畅。通过绘画技艺的提炼,表达出心中所追求的清俊淡雅、清秀明洁、清明焕发的‘圣域’景象。”

“第三方面、在于心境行修的取向。心性的神圣、理想的纯正,都是暗合圣域之境的创作的。在当下这种社会中,如何去行修,如何去锤炼自己的心境,是值得我们思考的。这之中首先有心境,其次要有情境,再来是悟境,这是层层递进的关系。还有一种是‘灵境’,这就是艺术家个人的灵气的体现,生活要造境,造气、也要营造这种灵境。这几年我也在不断地学习和提升,也不断要求自己,无论做什么事情,一定要有定力,要入境入定,要有智慧,要有自身的清慧。”

走 出 水 墨 风   探寻新改变

“这么多年我一直都在从事水墨画,也一直在探索我对水墨的把握和驾驭。画面一直处在一种黑白灰的状态之中,很多人看我的画都是忧伤的,所以我希望通过更多的色彩给大家带来快乐。特别是到国外看到许多颜色丰富的建筑,发现所有的颜色都可以在房子上出现时,便开始思考他们的色彩是如何处理得这么美、这么饱和。于是,我也希望用更多的色彩来丰富自己的画面,让自己的画面立体、活泼起来,让观者看到一种阳光和希望。这种创新的画面大多都在一种虚、融、含、混的状态中。这种创新,使我在以前固有的思维模式之中突破了自己,颠覆了以前的想象空间,也让我的想象插上了翅膀、飞跃得更高,在保持风格与个性的前提下,艺术水准也得到了提升。”

“这几年我也一直在思考,努力探寻能使自己的艺术更加恢弘、更有激情和爆发力的那种原始力量,让我的创作力和想象力奔向更加广阔的圣域。作为一个艺术家,不应该有固定的艺术思维和创作模式,我觉得艺术也要不断去创新,不断去发现生活中更多更美的东西。将写生与传统的绘画结合起来,在造境中寻找新的元素才能创造出新的作品。所以,现在作品的出发点更注重意境的营造、心灵的涤荡、情绪的状态和对美化文化精神的传达有了境界的,同时具时代精神。”这也正是师界弘老师循道弘新的最佳表达。

在意境的营造和创新方面,师老师的画面里除了会加入一些现代化的元素外,还会营造一种画外之音,如画民居建筑画面中却很少有人物出现。师老师解释说:“我的作品大部分画面都有建筑、有房子、有树木、有桥等这些生活事物和生活场景,包括我还画了很多对联,还有门贴等。这些东西足以表达这里有人在这里生活,并且有他们祖祖辈辈世世代代在这里生活的痕迹,而这种痕迹不需要画人就能表达出来。就像齐白石先生的一幅作品《蛙声十里出山泉》一样,这幅画的意境就是取自清代诗人查慎行的《次实君溪边步月韵》中的诗句。在两座山的中间有一股山泉流出,水中有许多小蝌蚪,通过小蝌蚪就能想象出蛙声,这就如王维的‘诗中有画,画中有诗’的意境。而中国画也正是需要这样的意境,营造这种画外音,既能增加想象空间,又能丰富画面含义。”

一位优秀的艺术家,不仅要从生活中去寻找艺术,创造出有生命、有灵魂的作品,还要不断创新,与时俱进,创作出富有人文关怀和时代意义的作品。师界弘老师循道弘新,塑造心中的艺术世界,以独特的艺术风貌向我们展示了中国山水画的幽远意境,同时让每一位走进“圣域”之人,心灵都得到洗礼。

 ▲圣域—苍茫云霭溢清澄  200cm×200cm 2014年

 ▲ 心游空境 196cm×98cm

▲大地开霁净万家  200cm×200cm 2015年

▲古镇新姿 136cm×68cm 2015年

▲梦萦圣域 220cm×200cm 纸本水墨

  ▲炫彩梦影之三十 50cm×50cm 纸本水墨 2015年

▲炫彩梦影之二十四 50cm×50cm 纸本水墨 2015年

▲禅城系列之五 130cm×60cm 2015年

 ▲涵观 196cm×98cm 2017年

▲余忆 68cm×150cm 2017年

 ▲大炫清音 110cm×150cm 2016年

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